Original

https://de.wikipedia.org/wiki/Walter_Dahms

Hamburg Staatsbibliothek https://resolver.sub.uni-hamburg.de/kitodo/PPN774616555_0016

1912년에 오페라에 관해 자세한 기사를 썼습니다 .

아직 본격적인 공연이 없는 이유(2025년!)는 다음과 같습니다.

괴프파르트의 “자라스트로” 피아노 리덕션을 처음 들었을 때, 저는 우리 시대에 그토록 단순하고 명확하며 모호하지 않은 무언가를 선사하는 창작자의 대담함에 충격을 받았습니다. 사실 이 작품은 1891년 모차르트 탄생 기념일을 위해 구상되고 제작되었습니다. 하지만 당시 드레스덴과 프라하에서 예정되었던 공연은 (무엇보다도 대규모 인쇄소 파업이라는) 최악의 혼란으로 인해 무산되었습니다. 그리고 이듬해에는 이미 너무 늦었습니다. 그래서 “자라스트로”는 여전히 공연되지 않은 채 남아 있습니다[ 저자 주: 1912]. 좋아하는 신문 때문에 창작가들에 대한 정보가 부족한 선량한 독일인들만 있었다면 , 이 작품은 세상 끝날 때까지 공연되지 않았을 것 입니다. 하지만 지극히 일방적이고 이기적인 저널리즘이 창조적인 사람들과 속기 쉬운 대중 사이에 쌓아 놓은 무기력과 악의의 벽이 언젠가는 허물어지지 않는다면, 그것은 유감스러운 일일 것입니다 . 이러한 시도는 유익하고 유망한 가치가 있을 것입니다.

칼 괴프파르트의 뮤지컬 드라마 ‘자라스트로’

Walter Dahms 지음

요즘 누가 “마술피리 2부”라는 작품에 귀를 기울이지 않겠습니까? 우리는 모차르트를 오늘날의 음악적 위기에서 구해낸 구원자, 현대의 비생산적인 황무지에서 구해낸 지도자로 이야기하고 씁니다. 사람들은 “모차르트로 돌아가자!”라고 외쳤습니다. 바인가르트너는 “아니, 모차르트로 가자!”라고 말했습니다. 어떻게 해석하든 한 가지는 확실합니다. 음악과 연극 예술의 발전은 결코 “바그너를 넘어서는 것”이 될 수 없습니다. 오히려 희귀하고 지속적이며 동시에 새로운 것을 창조하고자 하는 무대 작곡가는 바그너 이전의 지점에서 시작해야 합니다 . 위대하고 숭고한 예술이라는 목표에 도달하는, 아직 밟히지 않은 길이 많이 남아 있기 때문입니다.

괴프파르트의 “자라스트로” 피아노 악보를 처음 들었을 때, 저는 작곡가가 우리 시대에 그토록 단순하고 명확하며 모호하지 않은 무언가를 선사하는 대담함에 충격을 받았습니다. 사실 이 작품은 1891년 모차르트 탄생 기념일을 위해 구상되고 제작되었습니다. 하지만 당시 드레스덴과 프라하에서 예정되었던 공연은 (무엇보다도 대규모 인쇄소 파업이라는) 최악의 혼란으로 인해 무산되었습니다. 그리고 이듬해, 이미 때는 늦었습니다. 그래서 “자라스트로”는 여전히 공연되지 않은 채 남아 있습니다. 만약 그들이 좋아하는 신문 때문에 창작가들에 대해 제대로 알지 못하는 선량한 독일인들의 몫이었다면, 이 작품은 영원히 공연되지 않았을지도 모릅니다. 하지만 매우 일방적이고 이기적인 언론이 창작가들과 속기 쉬운 대중 사이에 쌓아 놓은 관성과 악의의 벽이 언젠가 는 허물어지지 않는다면 , 그것은 참으로 안타까운 일일 것입니다. 이런 시도는 가치 있고, 유익하며, 동시에 유망할 것입니다.

“자라스트로”는 처음 듣는 순간 깊고도 오래도록 기억에 남는 곡이었습니다. 저는 계속해서 그 곡을 다시 들으며 흥미를 느꼈습니다. 마침내, 이 곡은 현대가 사랑하고 장려하는 것과는 완전히 다른 무언가를 지향하는 작품이었습니다. 이 곡에서는 (대중적인 베리스트들과 그들의 독일 추종자들처럼) 우리의 원초적인 인간 감정을 혐오하는 것이 아니라, 오히려 정제된 감정을 추구합니다. 순수하고, 소박하고, 건강한 무언가, 간단히 말해, 독일적인 무언가가 마치 언어적으로나 음악적으로 병적인 폭발처럼, 강렬하고 감상적이며 눈물겨운 행복감으로 우리에게 말을 건넵니다. 그러므로 저는 이제 이 작품에 대한 경고의 말을 남기고자 합니다. 음악가이자 평론가로서 이 작품이 고귀한 것을 받아들이는 다른 모든 사람들에게도 영향을 미칠 것이라는 확고하고 흔들리지 않는 확신을 얻었기 때문입니다.

모든 것이 상징적입니다. 빛과 어둠, 선과 악의 투쟁이죠 . 모차르트의 “마술피리” 또한 이러한 경향을 지녔습니다. 당시 비엔나의 지식인이라면 누구나 이해할 수 있었을, 무기력함, 타락, 그리고 모든 영역 에서 양심의 억압에 대한 저항이었습니다 . 인도주의적인 공상은 전혀 없이, 보편적인 인류 형제애라는 이상을 선포하고자 했습니다. (그러나 코앞까지 다가온 프랑스 혁명은 이러한 이상에 날카로운 불협화음을 더했습니다. 역시 일종의 형제애였지만, 또 다른 차원의 형제애였죠!) 당시 목표는 운명의 시련을 통해 정화된 인물들을 묘사하는 것이었습니다. 불과 물은 단지 상징일 뿐이었습니다. 하지만 “마술피리”에서는 빛과 어둠, 자라스트로와 밤의 여왕 사이의 투쟁이 그려지지 않았습니다. 마지막 부분은 다가올 시대, 투쟁과 갈등의 시대를 암시합니다.

괴테 못지않게 자라스트로의 드라마인 마술피리의 두 번째 부분을 오페라 텍스트로 기획하고 초안한 인물이 있었습니다. 고트프리트 슈토멜이 시를 쓴 괴프파르트의 작품은 이 토대 위에 세워져 있습니다. 괴테가 마술피리를 계속 쓴 것은 정당했습니다. 빛과 어둠으로 대략 상징되는 두 대립하는 원소의 힘 사이의 전투는 어느 시점에서 해결되어야 했습니다. 괴테의 개요는 괴프파르트와 슈토멜에게 극적인 지침을 제공했습니다. 모차르트의 음악은 특정 멜로디와 모티프에서 특정 지점을 유지해야 했습니다. 그리고 결과는 화해적이어야 했습니다. 사랑은 증오를 극복해야 했습니다. 괴테가 의도한 갈등을 통해 프리메이슨의 사상을 구현하는 것도 마찬가지로 필요했습니다. 괴테가 마술피리를 계속 쓴 것이 정당하다는 데는 의심의 여지가 없습니다. 누군가가 괴프파르트-슈토멜의 완벽한 작업을 통해 명시된 목표가 성취되는 것을 목격했을 때, 그 사람은 무조건적으로 그리고 기쁘게 그것을 긍정하게 될 것입니다.

“자라스트로”를 살펴보면 각 막이 그 구조 속에서 고유한 본질을 지니고 있음을 알 수 있습니다 . 1막에는 서론이 있습니다. 이 서론은 우리에게 드라마의 다양한 세계, 즉 선(자라스트로), 악(밤의 여왕), 그리고 원시 인류(파파게노)의 세계를 소개합니다. “마술피리 서곡”의 장엄한 도입부가 울려 퍼지자 , 사제들의 모임 위로 막이 올라갑니다. 그들은 매년 형제 중 한 명을 세상으로 보내 인류의 고통과 기쁨을 목격하게 합니다. 지상의 순례자는 순수함으로 돌아왔고, 이번에는 그들의 지도자인 자라스트로에게 운명이 달려듭니다. 그는 여기서 특별한 암시를 알아봅니다. “신이 위험에 처해 있다!” 그는 자신에게 중대하고 위대한 사명이 기다리고 있음을 알고 있습니다. 오랜 숙적, 밤의 여왕, 원초적인 악을 극복해야 합니다. 오직 그만이 이를 해낼 수 있습니다. 그는 더 높은 영적 교양을 통해 그녀의 의도를 간파하지만, 그녀는 그의 의도를 간파하지 못하기 때문입니다. 엄숙하고 진지한 분위기가 이 장면 전체에 스며듭니다. 지속되는 리듬, 맑은 화성, 그리고 깊이 있는 영혼의 선율이 음악에 스며듭니다. “자라스트로”는 모차르트의 오페라와 같은 의미에서 성악 오페라라는 점이 이미 분명하게 드러납니다. 이는 또한 현대 오페라 문학에서 이 작품이 특별한 위치를 차지하게 된 이유이기도 합니다. 오케스트라는 결정적인 발언권을 가지고 있지 않습니다. 단지 (음악적인 성격의) 사건들이 펼쳐지는 환경, 즉 토대를 제공할 뿐입니다.

첫 번째 변신은 밤의 여왕의 영역으로 우리를 안내합니다. 대조적인 성격의 인물 묘사. 경쾌한 리듬은 이 영역을 지배하는 사소한 불안을 즉각적으로 전달합니다. 자라스트로처럼 여왕은 전우들 사이에서 우리에게 보여집니다. 딸 파미나가 마법피리에서 탈출하여 어머니를 섬기고 사랑하는 무어인 모노스타토스는 여왕에게 빛의 영역에 대한 복수가 한창이라고 보고합니다. 타미노와 파미나의 아이, 왕의 아들은 황금 관에 갇혀 있는데, 그 관의 뚜껑은 오직 그들의 어둠의 힘만이 열 수 있습니다. 상징적으로, 새로운 시대는 빛을 두려워하는 정령들에게 노예가 됩니다. 여왕의 승리에 찬 울부짖음은 고귀한 자라 스트로에 대한 그녀의 내적인 반감을 드러냅니다 . 그녀에 대한 그의 싸움은 얼마나 정의로운가!

두 번째 변신은 타미노와 파미나가 사랑하는 딸을 걱정하는 부모의 모습을 보여줍니다. 타미노는 자식에 대한 두려움이 커지면서 어머니인 밤의 여왕의 영향력에 다시 휘말리게 되고, 그녀는 타미노를 자라스트로에게 복수하도록 설득하려 합니다. 하지만 이는 자라스트로에게 유혹으로 작용하고, 자라스트로는 장래에 아이가 위대한 사명을 맡게 될 것이라는 약속으로 그를 위로합니다. 관을 끊임없이 옮기는 동안 여성 합창단의 부드러운 서정성이 시작되고, 유혹 장면의 음악은 강렬하게 고조되어 장엄하고 원초적인 사제 합창곡 “누가 빛에 맞서 싸울 것인가?”로 이어집니다.

세 번째 변신은 파파게노와 파파게나가 구현한, 거침없는 자연인들의 삶과 활동을 보여줍니다. 아이들의 즐거운 소란과 기쁨과 희롱 속에서, 신의 선물인 아우로라가 탄생합니다. 그녀는 백성들의 아이로, 왕자 가문의 아들을 구원할 운명을 타고났습니다. 이러한 변화에는 아름다운 선율의 음악이 흐릅니다. 모차르트의 여러 선율이 등장합니다. 삶의 밀물과 썰물은 생생하고, 끝없이, 그리고 간결하면서도 효과적인 확실한 필치로 흘러갑니다.

1막이 극의 전개를 담당했다면, 2막은 적대 세력의 폭발로 극적인 효과의 절정을 이룹니다. 신의 부름에 따라 자라스트로는 지상으로의 여정을 떠납니다. 이곳에서 그는 오랜 숙적을 만납니다. 빛과 어둠, 두 원초적 힘의 운명이 완성됩니다. 여왕은 방랑자를 알아보지 못합니다. 미지의 마법에 사로잡혀 그를 향한 강렬한 사랑으로 불타오릅니다. 여왕은 그를 자신의 목적에 끌어들이려 하지만, 그 모든 것의 근본적인 목표는 자라스트로의 파멸입니다. 여왕이 왕의 아들 포이보스를 황금 관에서 풀어주고 부활시키겠다고 맹세하자, 자라스트로는 마침내 그녀를 도와 자라스트로를 제거하는 데 동참합니다. 자라스트로는 여왕을 물리치고 “새로운 시대”를 가져오기 위해 희생을 감수해야 한다는 것을 깨닫습니다. 그의 성격과 고백이 지닌 윤리적 힘은 경이롭습니다. 괴프파르트의 음악은 시인의 음악만큼이나 이 걸작을 구성하고 실행하는 데 성공적입니다. 그는 전적으로 자신만의 재능을 발휘하며, 그의 선율적이고 개성적인 창작력은 무궁무진합니다. 간결한 필치로 대조적인 표현을 구사합니다. 그의 음악적 언어는 극적으로 강렬하고 잊히지 않으면서도, 완전히 독특하고 새로운 매력을 지닙니다. 감정 표현에 대한 그의 자신감은 어디에서나 분명하게 드러납니다. 밤의 여왕이 겉보기에 승리한 듯 보이지만, 마치 내면의 필요성처럼 극 중 처음으로 콜로라투라에 빠져드는 모습은 매우 중요합니다. 여기서 콜로라투라는 진정한 표현 수단이며, 진정으로 필요하고 긴장을 풀어주는 수단입니다.

3막은 그 효과가 고르지 않습니다. 이는 필요한 해결책들이 누적된 데서 기인합니다. 극문학에서는 드물게, 갈등의 지속과 해결에 중요한 역할을 하는 새로운 인물들(오로라와 포이뷔스)이 3막에서만 등장합니다. 3막은 당연히 모차르트적인 모티프를 주로 포함해야 합니다. 모차르트를 인용하는 것은 괴테의 악보에 부분적으로 필요했습니다. 따라서 오로라는 “마술피리”의 글로켄슈필 음악으로 등장합니다. 정당화는 필요 없습니다. 여기서는 모차르트의 악보 외에 다른 악보가 들리지 않았기 때문입니다. 각 악보에서 괴프파르트는 모차르트가 자주 사용했던 론도 형식을 사용합니다. 그는 그 양식을 고수해야 했습니다. 그가 모차르트의 음악을 인용함으로써 모든 것을 단순하고 쉽게 만들었다고 말할 수는 없습니다. 오히려 작품 전체가 흐트러지지 않도록 자신의 감성을 모차르트의 스타일과 정신에 맞추는 것은 엄청난 어려움이었습니다. 그는 인용문을 자신이 직접 만들어낸 것으로 대체할 수도 있었습니다. 하지만 그는 모차르트의 표현만이 그 특정 구절에서 가능한 유일한 표현이라고 올바르게 생각했습니다.

첫 번째 장면은 숲 속 원시인들의 이야기로 우리를 데려갑니다. 여기서 아우로라는 포이보스를 풀어주고, 신들이 인간에게 준 프로메테우스적 선물을 되돌려줍니다. 이야기는 두 상징적인 인물 사이의 가장 친밀한 사랑 장면으로 절정에 이릅니다. 이어서 매력적이고 독특한 발레 음악으로 장식된, 말하자면 팬페스트와 같은 익살스러운 장면이 이어집니다.

첫 번째 변신은 타미노 왕궁의 궁정 생활의 한 단면을 보여줍니다. 신사 숙녀들이 최근 소식을 두고 다투고 있습니다. 이 무의미한 논쟁은 가장 최근의 소식, 즉 구원받은 포이보스 왕자가 아우로라와 함께 입성한다는 소식으로 끝을 맺습니다. 이렇게 종말의 시작이 시작됩니다. 새로운 시대가 시작됩니다. 괴프파르트는 궁정 신하들의 대화에서 유쾌한 분위기를 발견했는데, 이는 그가 음악적 유머의 달인임을 보여줍니다.

열린 변형은 피날레로 이어진다. 여기서 젊은 왕자 부부의 등장에 대한 기쁨에 찬 환호와 자라스트로의 죽음을 슬퍼하는 사제들의 슬픔 사이에 가장 두드러진 대조가 나타난다. 이 두 장면은 모차르트의 영향을 받은 모티프, 즉 <마술피리> 피날레의 환희에 찬 합창과 다단조의 불과 물의 음악으로만 묘사될 수 있다. 밤의 여왕이 등장하여 승리와 환희를 축하하는 등 이야기가 전개되면서, 괴프파르트는 자신만의 매우 특징적인 악센트를 찾아낸다. 이야기는 파국으로 치닫는다. 여왕은 죽은 적을 만나고 싶어 한다. “내 왕국이 멸망한다면!” 타미노는 그녀를 자라스트로의 석관으로 인도한다. 그녀는 시체 속의 방랑자를 알아보고 의식을 잃고 쓰러진다. 한편, 모차르트의 불멸의 선율 중 “오, 이시스와 오시리스”가 모든 사제들의 한목소리로 울려 퍼지며 자라스트로가 죽은 후에도 그의 영혼 속에서 계속 일하겠다고 맹세합니다. (자신의 패배라는) 끔찍한 깨달음에 압도된 왕비는 숭고한 사랑의 유대 속으로 들어가고 싶다는 열망을 표하지만, 사제들은 분노하며 이를 거부합니다. 고통에 휩싸인 왕비는 변모한 자라스트로(자신의 적이자 친구)에게 화해와 소원 성취의 징표를 달라고 간청합니다. 그리고 그 징표가 실현됩니다. 한 천재가 나타나 평화의 손길로 왕비를 어루만지고 영원한 평화의 세계로 인도합니다. 자라스트로와 왕비는 돔 안에 하나로 뭉쳐 나타납니다. 사랑이 증오를 극복한 것입니다. 사랑으로 모든 악이 근절됩니다. 이제 왕가와 백성들은 완전히 다른 기쁨으로 사랑을 통한 해방의 환희에 휩싸입니다.

괴프파르트-슈토멜의 “자라스트로”는 윤리적 의도와 순수하고 위대한 의지가 담긴 작품으로 드러납니다. 의지와 조화를 이루는 그러한 능력은 시와 음악에서 명백하게 드러납니다. 독일 오페라 하우스는 이처럼 진지하고 아름답게 완성된 작품이 성공을 거두지 못하는 일이 없도록 해야 합니다. 고귀한 사상, 단순함과 그 구상 및 실행의 힘으로 평범한 작품에서 벗어나, 내면의 단순함과 진실을 통해 현대 창작에서 독보적인 위치를 차지하는 작품을 부각시키는 것이 오페라 하우스의 책임입니다. 저는 이 작품이 언제나 깊고 오래도록 기억될 것이라고 확신합니다. 괴프파르트의 “자라스트로”로 시작되는 독일 무대는 진정한 예술적 성취라는 명성을 얻게 될 것입니다.